Notas al margen (empañar)
Sobre Práctica de agotamiento, ver proyecto en colectivo autoArt

No sé cómo tratar de explicar una situación de la que activamente hice parte, pienso en principio que debo respirar y así, quizás lentamente todo comience a revelarse. Sin correspondencia alguna, lo primero que se fija en mi cabeza es la canción de John Paul Young1, respiro nuevamente y trato de inhalar todo ese amor que está en el aire, exhalo. Lleno mis pulmones nuevamente, esta vez aguanto el aliento y poco a poco comienzo a apretar mis puños, hago muecas y casi morado –huassss!- inflo mi pecho con desespero llenándolos de blandura hasta la saciedad. Exhalo, tomo aire otra vez y evito pensar en todas aquellas partículas que flotan, dejando poco a poco de fijar la atención en el gesto vital, respiro...

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Me enfoco nuevamente y trato de buscar el tipo de conexión que permita describir aquella acción que ocurrió en Cali; pensar en ese hecho ocupa el interés para escribir esta nota al margen. Coincidente o no, recuerdo aquel video que termina el recorrido de la reciente exposición de Oscar Muñoz en Bogotá. He conservado en mi memoria las impresiones que produjeron ver esa pieza sabiendo que de alguna manera sus imágenes podían servirme en algún momento como excusa para tratar de describir un proceso creativo. En el video de Muñoz se ve a un adulto mayor que permanece sentado mientras la cámara va grabando en primer plano su rostro. La persona permanece sentada, no sucede nada extraordinario, interpreta su papel y no es nada más que él mismo. ¿Qué estará pensando? ¿Ver los pliegues de su madurez que significa? Nada de eso importa, verlo es tan cómodo –tan agradable- que pensar en ese tipo de preguntas no vale la pena. Respira, se duerme, se va y vuelve, contundente. Durante esos “ires y devenires”, el efecto constante del viento permanece empujando un liviano velo que corta la incidencia de luz sobre la decoración; el reflejo sobre un vidrio nos permite advertir la presencia de otra persona que aparece y desaparece sobre un retrato fotográfico ¿presencia y ausencia?, no me siento tentado en el momento en discutir este tipo de retorica. 

 

Fundido a blanco (Dos retratos) video 2010, Oscar Muñoz

El video termina y comienza nuevamente el loop; personalmente quedo emocionado, complacido e inspirado. No siento que la satisfacción sea una recompensa a la paciencia, valoró el lenguaje, la realización y la economía del medio para materializar el concepto estar.

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Respiro. Ya he tratado de asociar o describir ciertos síntomas que describen eso que me ha costado cierto trabajo evocar -espero haber trazado un mínimo marco de referencia- . La situación que se propuso para La Vitrina, fue una idea de trabajo que se vio estimulada por la constante estar, y en el momento que ocupamos el lugar lo que hicimos fue agitar nuestros cuerpos –montando bicicletas- para evidenciar un momento particular de ese estar.

Práctica de agotamiento (empañar) consistió en ejecutar una rutina, su cualidad es la traducción que realizamos de una situación extraída de la vida cotidiana. Ocupar y transitar los espacios es una de esas acciones diarias, en nuestro caso habitar los espacios, se traduce en una forma activa de participación, que particularmente se convierte en condición necesaria para poder crear. Igualmente sucede con las tareas que desarrollamos diariamente, no podemos proponer nuestro quehacer artístico cómo construcciones que responden a necesidades aisladas. La metodología que proponemos en nuestro trabajo obedece a ciertas inseguridades cómo también a la experimentación y convicción formada en nuestros procesos.

Sobre el trabajo realizado, la imagen final muestra el empañamiento de una ventana. Dentro del lugar pedaleábamos tres personas para producir calor. Al cabo de unos minutos aparecían unas líneas empañadas sobre el vidrio que median la intensidad de nuestro trabajo físico y que borrábamos con la mano a medida que se producía la reacción –temperatura- sobre el vidrio. El formato que nos ofreció el video nos permitió prolongar diariamente la experiencia durante el periodo de exposición y empañar diariamente la ventana sin exigencias físicas. 

1. Love is in the air, John Paul Young

Intervención "Cantera"
Duración 5' 47''
2011

Stills del video "Cantera"

Descripción
El proyecto describe una intervención efímera, en la que dos personas se ubican frente a una pared de piedra para silbarse de un lado a otro.

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En el inicio de la película Ahora soy Rico* el personaje del “Patuleco” protagonizado por Pedro Infante enfrenta una difícil decisión, no tiene trabajo, su esposa está embarazada y necesita urgentemente dinero para comprar víveres. Ante desesperada situación acepta la propuesta de unos bandidos y decide involucrarse en un hurto haciendo de “campanero”; campanear es la acción de una persona cuyo encargo consiste en dar las señales de advertencia y alerta por medio del sonido de su voz. De este film retomo particularmente la escena donde sucede el robo, ya que para poder comunicarse con sus compinches el patuleco a un lado de un muro comienza a dar señales de aviso por medio de silbidos.

Basado en este tipo de comunicación no verbal donde no es necesario mantener contacto directo o existe alguna interferencia para conversar con nuestro interlocutor, concibo la intervención Cantera/. La realización de este trabajo presenta dos momentos los cuales se proyectan a un mismo tiempo: el primero muestra a una persona frente a una pared de piedras, silbando durante un periodo de tiempo tratando advertir su presencia como si estuviera avisando o campaneándole a una persona que imaginariamente está al otro lado. El segundo momento describe la misma acción con otra persona que se ubica al otro lado de la montaña.

El trabajo consiste entonces en mostrar las dos acciones proyectadas sobre un muro ubicado en el centro de la sala de exposición, donde el espectador encontrará la imagen de dos personas avisándose la una a la otra creando un ambiente abstracto de sonidos silbados. Sabemos que intervenir espacios de la ciudad no trata simplemente de salir a la calle, es vital entender las dinámicas de un lugar para descubrir sus posibilidades y así lograr establecer un canal que renueve dinámicas de entendimiento y acercamiento con nuestros semejantes.


* "Ahora soy rico" Película mexicana realizada en el año 1952, dirigida por Rogelio A. González.

El Rincón del Lago

Cada vez que tenemos la oportunidad de mantener contacto con algo extraordinario interiormente uno se pregunta ¿Cómo pudo haber sucedido? ¿A quién se le ocurrió?, es sorprendente por ejemplo, ver espacios construidos sobre el agua, como aquellos caseríos que se elevan sobre el litoral del río Magdalena o descubrir escuelas flotantes que navegan sobre la frontera por el río Arauca; también es inesperado observar que en el panorama de una ciudad como Bogotá podamos encontrar construcciones que definen sus propios límites sobre pendientes que van a dar sobre vertederos –rezagos- de lo alguna vez fue un río.

El recorrido a El Rincón del Lago se origina sobre el asombro o el encuentro de imágenes que al juntarse revelan un evento único que logra rebasar nuestra imaginación. Sobre estas condiciones, podemos explicar que llegar a él barrio El Rincón del Lago fue producto de una casualidad que no solo implicó ubicarse en un contexto geo-social específico sino, hallar un punto donde es posible ver la ciudad desde otra óptica. El lugar se presentó como un paisaje refrescante el cual además de ofrecernos la posibilidad de repensar sus posibilidades, nos hace olvidar por un momento el cuadro actual que presenta Bogotá.

Es en esta medida nos acercamos al principal centro de interés del barrio, el cual es una cancha de juegos flotante que parece haber encallado en un marjal nutrido por aguas negras.

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Sobre el lugar.

Línea de Salida
(Texto presentado para la muestra de portafolio en Why Cube)

La Amistad

Con mi trabajo intento desarrollar un terreno de consideraciones sobre lo que podemos entender tradicionalmente por pintura. Por ejemplo, puedo señalar movimientos simples como el que hace un mecánico cuando pasa sus manos llenas de grasa sobre la pared de su taller, al igual que encontrar una huella de humedad después de mover una caja que ha permanecido mucho tiempo en un lugar; pienso que en este tipo de situaciones es posible anticipar algunas ideas y a su vez desvanecer algunas nociones sobre el arte.

Línea de salida muestra un recorrido por las exploraciones que he venido desarrollando en torno al hecho de hacer pintura, así la ruta que he trazado para esta muestra expone una serie de procesos que van desde la exploración de materiales a partir de la realización de intervenciones en espacio público, la ejecución de algunas pinturas que evidencian un interés por los soportes, hechas a partir de estructuras envolventes donde los vértices rectos de “cuadro” van desapareciendo en una curva tratando de generar un espacio dinámico. Adicionalmente acompaño la muestra de este portafolio con dos fotografías, lugares que sirven como antecedente para algunas formas que aparecen en la realización del trabajo.

Espumas, formas convencionales de asociación
Proyecto presentado en ArteCámara/ArtBo 2010

Espumas... es un proyecto bastante pretencioso en cuanto al manejo de contenidos. El reto consiste en agrupar diferentes experiencias: un trabajo elaborado en conjunto con un lugareño en un espacio rural; una acción que ocurré dentro de un edificio frente la mirada de los personajes retratados en un mural de historia nacional; una intervención in situ hecha con mineral; una pintura. Las experiencias se dividen en dos líneas de trabajo, la primera enfocada a mi interés por la pintura, concretadas por el cuadro y la intervención; la segunda a la formulación de experiencias para la creación colectiva, formalmente materializadas en una fotografía y un video. Espuma entonces sería el resultado de hacer fricción entre estos dos motores de trabajo. La relación entre las imágenes se da como las partículas que componen la espuma*, espuma llena de burbujas independientes que se juntan e interconectan con otras, formando babas blancas, ligeras, flotantes, vulnerables y propensas a explotar con el contacto, una imagen similar a las relaciones formadas entre individuos.

Sobre el Video
Pintura lineal y de Adorno (versión A)
Acción dirigida por Cristian Prieto y Frey Español
Fotografía Gimena Zambrano
Actores Ingrid Natalia Antolínez y Kelly Navarro
Cámara Oscar Santiago Sanchez
Lugar: Hall sede principal banco de La Republica, Bogotá.
Imagen de fondo, mural Momentos críticos de la nación (1957), Pedro Nel Gómez

"...pero aquí lo interesante es que cada quien construya sus interpretaciones" Esta es la expresión que usualmente se dice para escurrirse de explicaciones que nos cuesta dar -el defecto se convierte en virtud- y el abandono se ofrece como un regalo para que otro individuo complete el circulo de significantes.

Evidentemente ese circulo -la obra- se puede cerrar con diversas posibilidades ¿pero que sucede si no se logra? ¿que sucede si nuestro estado de anímo es sumuso y no queremos ir más allá? ¿si nos rendimos? ¿si fingimos? ¿si afirmamos mal? La acción que propone este video representa ese otro lado, el lugar que ocupa un espectador que se enfrenta a estos interrogantes. A partir de una rutina improvisada de step que ejecutan dos personas (estudiantes de danza) se intenta reflexionar sobre la manera de reconocer nuestro cuerpo, la forma en que habitamos los espacios, como la capacidad de relacionar información y de hacer memoria.

.on Vimeo

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* Sloterdijk, Peter. Esferas III, Espumas. Editorial Siruela. Publicado en Nomadas. Revista crítica de ciencias sociales y jurídicas 18 I (2008.2) http://www.ucm.es/info/nomadas/18/avrocca.pdf

LA PERSISTENCIA DE LOS DISCURSOS DE NUESTRA FORMACIÓN
Proyecto artístico basado en el mural "El hombre y el drama de la Vivienda" de Pedro Nel Gómez
Ampliación en autoArt

El título del proyecto pretende dar cuenta de la siguiente hipótesis: los problemas del siglo XX en Colombia no se han solucionado, por tanto, algunos de los discursos que surgieron y predominaron en el panorama artístico de este siglo, que pretendieron responder a estos particulares, siguen vigentes.

Retomamos de esta manera el trabajo del artista Pedro Nel Gómez, quien con su obra pictórica de tipo muraldestacaba las coyunturas sociales, el progreso, diversos sectores de la población, y sin diferencia integraba momentos y personajes históricos que construyeron una nación encaminaba hacia la modernidad. Además de una
iconografía variada su obra permite establecer una dinámica de tipo conceptual ampliando: la relación arte y sociedad, la conexión entre la arquitectura y el individuo, la memoria y la desaparición, el patrimonio histórico y la conservación.

De esta manera proponemos un laboratorio que se direcciona por un sólo canal, el mural “El hombre y el drama de la vivienda”, para establecer relaciones donde se promuevan la participación, el encuentro y el fortalecimiento de una conciencia creativa. Asimismo, establecer un diálogo entre nuestra producción plástica y situaciones particulares de nuestro contexto

Ideas sobre un contrato para un arte social

Rectángulo de Incidencia

Cuando asistó a ver un proyecto de arte cuya tématica toca lo social, trato inevitablemente de no sospechar que los vínculos que se establecen con las personas están calculados, es decir los resultados de una experiencia social se amañan a la idea -vamos pinta tu drama que yo pinto tu casa-; y al final uno termina viendo trabajos predecibles de un colorido bastante opaco. Pienso que el interés sobre un lugar se supedita a los afectos y a la mirada compasiva que tenemos de él, actitud que conduce el trabajo a un vale todo anecdótico que se ocupa de suplir las carencias con un exiguo taller. A partir de esta preocupación decidí salir a jugar y ubicarme entre la cancha con la misma actitud que imagino salio Diane Arbus a tomar fotografías años atrás, sin prevenciones y con gran expectativa por lo posible.

Posteriormente en el campo entendí que esta inclinación no resulta siempre ser beneficiosa o bien correspondida y como en el plano amoroso por ejemplo, ser más sensible no significa tener mejor disposición o amar en mayor grado. Un artista que dice orientar su trabajo a lo social y se muestra como vulnerable o exageradamente sensible no garantiza nada, esto no hace que su trabajo sea honesto o más bello. Seamos francos, sabemos que al momento de seguir una de estas iniciativas el límite está más allá de una simple rutina física, no se trata de entrenar y hacer 10 o 20km de etnografía, de esquivar la dureza de la situacion con habilidad atlética -y gambetear-; o entender el territorio como si se tratara de un lugar de contienda para obtener puntos, si fuera así, el otro o lo otro representaría a un adversario al cual hay que dominar, los escenarios no dejarían de representar lugares para vencedores y vencidos, y la actividad artística sería una excusa más, un cómplice para exponer diferencias.

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En ocasión de un nuevo lanzamiento para una colección Prêt à porter, un diseñador de alta costura lanza para un hipermercado una serie de prendas accesibles al mercado popular, su campaña grita una expresión donde se afirma que la moda debe ser democratizada; si bien es cierto que como artistas pretendemos con nuestro trabajo ser más accesibles para abarcar un terreno de acción más amplio, ya no es posible ocuparnos tan sólo de la salida, tratar de ofrecer a nuestra contraparte la posibilidad de ser coautor de la obra o cumplir con cuotas de participación. Noto que este interés tan solo es una asignación que lleva al arte a formalizar una tarea democratizadora, y todo termina en un tenemos derecho a lucir bien o una imposición como la moda es un deber! ofreciendo interesadamente participación solo cuando se está dentro de.

Desarrollar una experiencia abierta y accesible implica una disposición política hacia el trabajo, particularmente cuando el rol de autor puede continuamente intercambiarse si se concibe a la obra como una fracción de un proceso colectivo; lo curioso de la anterior afirmación es la generación de la siguiente predisposición: obrar es a individuo como creación colectiva es a arte social.

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En este momento quiero recordar los acuerdos tipo Corleone que se sustentan en la palabra de las personas y no en términos justificados a partir de un contrato entre partes abstractas, donde lo más raro e incomprensible es el artista. Lo significativo de la creación colectiva es el valor simbólico que adquiere en sí misma la experiencia de negociar con un par, conociendo que lo importante es estar dispuestos a ofrecer e intercambiar algo por algo. En mi opinión los contratos para un arte social tratan de responder solo a intereses que se reducen netamente a cifras, según Claire Bishop, el arte social o comprometido opera de manera similar a una ONG, y para conseguir financiamiento público hay que decir exáctamente cuánta gente negra asistirá a la exhibición, cuántos discapacitados, cuántos homosexuales... ¡cuantos! Trato de insinuar que social no es a marginal como lanzar no siempre garantiza marcar un punto.

ToMa
Proyecto presentado para la curaduria Cotidiano, Cámara de Comercio de Bogotá

Monumento para Invocar

En el fondo de cualquier asunto que se quiera comprender aparecen las problemáticas e imágenes de la cotidianidad cómo motivadores fundamentales del pensamiento de todo orden: el descriptivo y también el abstracto y filosófico.

Es el propio día a día con sus renovaciones y agotamientos más prácticos y corrientes el que genera las inquietudes, los desgastes, así como las búsquedas que movilizan los combates y planteamientos a partir de los cuales se hacen posibles los cambios en el curso de las historias. No obstante, lo más común y cercano deja de atenderse cuando ya existe un aparato conceptual complejo, aún cuando lo elemental y familiar sea la esencia que permite penetrar lo construido de una manera suficiente y lógica.

Paradójicamente lo corriente y simple, que es el principio de lo que se articula de múltiples maneras hasta la complicación, pasa al lugar de lo modesto e incluso de lo insignificante frente a lo que se concibe como estructurado, difícil y abstracto. Ese artificio se presenta como algo mucho más visible y capaz que la realidad concreta a partir de la cual se ha edificado y, en esa medida, apoya un desprecio hacia lo corriente, con una paralela devoción hacia lo intelectual y artificioso, a pesar de que en algunos casos esos constructos evidencien síntomas de desconexión, extravió y confusión.

Como respuesta a esa situación el arte y otras disciplinas del intelecto han reaccionado en diversos períodos históricos ante lo arrogante, erróneo e innecesario de los discursos de las interpretaciones, para recordar la importancia y potencia de los lugares más obvios, como también, la imposibilidad de su agotamiento o total conocimiento.

A eso respecto Rembrant o Van Gogh pueden ser ejemplos significativos de ese acontecer en distintos momentos de la historia, aunque es extenso el número de artistas que han trabajado con la consciencia de que la atención al detalle mínimo se reconoce lo insondable y lo verdadero del universo. De diversas maneras los dos artistas convirtieron a los espacios íntimos y despojados en escenarios infinitamente ricos e inabarcables mientras se rebelaron contra las concepciones ostentosas y grandilocuentes que sobresalían en su momento y que en un sentido correcto debían replicar.

De esa forma abrieron vías para la reconsideración de lo fundamental y de lo humano, que es en definitiva la mira que debe guiar toda propuesta del pensamiento en la construcción social e individual, y que se pierde cada vez que en la discusión de valores lo intelectual oprime y deteriora a lo natural.

No es gratuito en tanto que en el presente los artistas más jóvenes, entre los que se encuentran Luisa Roa y Cristian Prieto hayan vuelto a pensar en lo cotidiano y próximo del espacio individual o del urbano y que hayan dejado de concebir el conflicto o la contradicción en el escenario de las guerras o el discurso político. En los trabajos de estos artistas no son perceptibles las estrategias críticas que se han legitimado en las décadas recientes, en los sentidos formal e intelectual, y de esa manera no se reconoce en ellos un interés por pertenecer a una corriente determinada. Por el contrario, cada uno de ellos desarrolla auténticamente una mirada propia en el lenguaje de la instalación –en el caso de Cristian Prieto desde la pintura y en el de Luisa Roa desde la escultura, también el la vibración de lo caótico- aunque coincidan forma espontánea en observar cuestiones ordinarias y rutinarias. Desde ellas, es posible ampliar la mirada a muchos otros frentes que se devanan cuando se agudiza la compresión en el espacio de lo más común.

Un ejemplo de cómo ello ocurre, que es el que inspira el nombre de está muestra, es de la composición Cotidiano de Chico Buarque. La canción repite una rutina en la que la mujer despierta a su marido con boca de mentol, lo despide con boca de café, lo saluda en la tarde con boca de pasión y lo acompaña en la noche con boca d pavor, mientras él cada medio día en su labor se cansa y no desiste de repetir su eterna función con boca de arroz. La fuerza de este texto escrito durante un período dictatorial radica de igual forma en potenciar la expresión del lugar más común y rutinario para avisar en él la frágil y al mismo tiempo invencible humanidad con sus eventos agitados, agotados, resignados y dispuestos a la interpretación y a la reinvención.

María A Iovino M.

Fronteras en Expansión, Artecámara 2009

En el marco de la quinta feria internacional de arte de Bogotá ArtBo, asistentes de la ciudad visitaron el pabellón Artecámara, espacio dedicado a la promoción de nuevos talentos. Para esta versión la muestra agrupó el trabajo de 22 artistas jóvenes en una exhibición titulada Fronteras en Expansión bajo la curaduría de María Iovino. El proyecto curatorial acoge diversas prácticas artísticas que van desde el dibujo hasta la instalación, las cuales tienen por común denominador la consolidación de un vocabulario e imaginario particular definido claro está, por un interés marcado por la experiencia personal que cada joven vive en su contexto.

Untando, lo más importante es que la mancha sea gruesa y difícil de limpiar es el titulo del proyecto con el cual participé dentro del evento. Se trata de una instalación cuya preocupación gira entorno a las maneras de ver y hacer pintura, así la propuesta se muestra como un espacio de experimentación que trata de explorar diversas posibilidades formales en la composición y configuración del espacio; considero que un cuadro se relaciona directamente con los espacios, en este caso traté de llevar luna idea al límite y estalló generando varios fragmentos.

El proyecto está subdividido en tres conjuntos, los cuales están compuestos por piezas realizadas en diversos formatos, técnicas y soportes. En cada grupo podemos relacionar distintos signos para identificar gestos pictóricos; el objetivo es crear un ambiente donde el espectador pueda articular formalmente una noción de pintura al margen de lo que habitualmente entiende por éste tipo expresión.

Vista general del proyecto.

Dust//polvo

Polvo fue una intervención hecha en el lugar, la imagen se realizó con polvo previamente barrido de la calle y el espectador tenía la oportunidad –según su juicio- de transformarla: interviniendo en ella borrándola y haciendo variaciones. Elaborar un tipo de experiencia compartida con el visitante obedece a un ánimo de resistencia y desmitificación de la imagen artística; las huellas y trazos resultan ser un valor agregado pero también puede leersen como un efecto que determina una práctica dudosa -sospechosa- como poco segura, ya que los gestos terminan sometidos a la efervescencia del momento y a la voluntad del espectador.

La imagen de la intervención señala claramente un referente foráneo que quizás es el más cuestionable dentro del trabajo presentado. Debo reconocer que decidí recorrer el camino más corto al escoger un motivo culturalmente digerido y domesticado, y su presencia puede que nos haga sentir cómodos, al tratar de representar una forma de vida salvaje, popular y periferica.
La información recogida en este ejercicio revela múltiples formas de pensar y síntomas de nuestra cultura, además los trazos aparecen como un conjunto de improntas primitivas y signos reflejo sobre los cuales podemos reconocernos.

Guía que acompaño el trabajo
(Esta guía incluye el texto Silla estupida, mesa coja y algo roto. Objetos para una comedia de Oscar Nossa.)

Uno tras otro, cuadro tras cuadro.

Una reciente generación de graduados en Artes Visuales de la Academia Superior de Artes de Bogotá se reúne en un Garaje1 para configurar una muestra de pintura bautizada los Ex -Asab. La exposición nace de una iniciativa que busca ratificar el creciente ánimo por expresiones de arte joven y promover el talento emergente junto con artistas de gran reconocimiento dentro del circuito local.

Esta exposición de ex –alumnos inevitablemente me hace recordar aquellos tiempos en aulas de clase, especialmente el taller de pintura que compartí con lvario compañeros que participan dentro de está exposición. Recuerdo que en entregas parciales de semestre reuníamos todos nuestros trabajos y haciendo altos en el camino discutíamos sobre cada idea, comentando cada propuesta que veíamos sabiendo al final que cada uno estaba resolviendo la misma pregunta; hablábamos de todo –cada quien echaba su cuento- tratando de indagar en las particularidades que motivaron la resolución y la consecución de una imagen. Pocas veces las charlas tomaron dirección sobre calidades pictóricas o la incomodidad técnica que genera una mala pincelada, el objetivo estaba trazado en entender las implicaciones y posibilidades del lenguaje (medio) además, se hacia mayor énfasis en articular consecuentemente nuestra manera de pensar con lo que queríamos expresar (signos), en definitiva tratar de ver la disciplina (pintura) más allá de correspondencias compositivas, manchas de color o un problema de imagen.

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Lo ideal seria tratar de ver lo pictórico fuera de las tradicionales convenciones, intentar ubicarla en diversos espacios e incluso reconstruir un imaginario que haga de la pintura un sistema transmisor de pensamiento más amplio; lamentablemente hoy se debe supeditar el carácter de la disciplina a la técnica o la postergada insistencia por la consolidación de un estilo. Es decisivo entender que en las actuales políticas de mercado donde por consecuencia natural se desenvuelve y promueve la pintura es difícil evitar que las expresiones sufran de algún tipo de homologación y que asistamos a muestras las cuales sean ya similares entres sí. Sobre esta inclinación llego a pensar que la muestra de ex –Asab nace como un proyecto de pintura que se concibe así mismo sobre una crisis.
Desde el punto de vista académico, institucional y cultural la muestra sienta varios precedentes, primero corrobora la formación de buenos pintores dentro del contexto de academia, segundo el carácter de universidad pública parece no ser determinante en la actitud y los esquemas de representación tercero, las propuestas no se distancian ninguna de la otra, todos pintamos de manera similar.

Esta pequeña muestra señala sintomáticamente lo que representa superar el siguiente dilema ético: cedemos en nuestra manera de pensar y pintamos para sobrevivir, o militamos en las filas del arte-convocatoria para sacar a flote lo que creemos puede tener mayor incidencia dentro del panorama artístico. (Bueno, este dilema ético también puede señalar ingenuidad de mi parte, por no comprender la tónica y el ambiente que rodean los diversos espacios de exhibición, como también mi escasa capacidad al acomodamiento) Por mi participación en la exposición puedo concluir que la muestra resulta ser tan plana como sus técnicas, superficies de colores apastelados, iconografías populares basadas en lo fashion y lo aguado.

1 El Garaje, galería de arte contemporáneo.

Salvaje (Trabajo presentado en los Ex_ASAB)

Agua fuerte, cold rolled cromado 09

Programa de Mano (sobre el trabajo expuesto en los Ex-Asab)

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Matadero Distrital Hoy, arte en situación

Proyecto Situacional es una iniciativa desarrollada por estudiantes de la Academia Superior de Artes de Bogotá que trata de la apropiación de lugares y la experimentación de estrategias de exhibición fuera de los tradicionales espacios de circulación, promoviendo una iniciativa más acorde con las necesidades y las dinámicas de prácticas contemporáneas. La muestra se propuso como ‘curaduría’ y se desarrollo en las abandonadas instalaciones del matadero distrital reuniendo un pequeño grupo de propuestas de estudiantes y profesionales en artes.

Pienso que proyectos nombrados de esta manera pueden desarrollarse en cualquier lugar siempre y cuando impliquen una acción de acomodamiento; lo característico de esta muestra fue cohabitar en la memoria de lo que fue anteriormente un matadero de ganado, lleno de vertederos, canales y paredes tapizadas en cerámica, que en otro momento estuvieron cargados de viseras, manchados por fluidos vitales y un innegable olor a descomposición.

Hoy, el lugar esta poblado por maleza abundante, palomas vivas, palomas muertas, caca de paloma, techos cayéndose y paredes corroídas por la humedad, pero también podemos encontrar un nuevo conjunto de signos y secuelas que no aparecieron por naturaleza del abandono: la anterior ocupación de la indigencia. Un surtido conjunto de objetos personales, pipas para injerir vicios, ladrillos rasgados, veladuras negras en rincones producto de hogueras y hasta carteles que señalan la defunción de particulares fueron los antecedentes que ponen en relación este experimento de arte in-situ.

Por la naturaleza del lugar las propuestas estuvieron orientadas a conservar la memoria del lugar, siendo oportuno señalar que las intervenciones no se concentraron en temas como la muerte sino en discursos que interactuaban directamente con la arquitectura y con el hecho que este lugar amurallado permaneció ocupado por individuos, quienes particularmente representan una problemática de convivencia social, y que sugerentemente decidieron mandarlos al matadero.

Hoy, Arte en Situación es la sentencia que aparece al limpiar por cuatro días las baldosas de una plataforma que ocupa la fachada del lugar y como gesto socava capas de mugre, haciendo una hendidura que revela entre espacios vacios la memoria de una superficie. A modo de cartel promocional Matadero Distrital Hoy, Arte en Situación es una acción de corto alcance que trata de cuestionar las respuestas dadas por los artistas invitados, la complicidad latente de producir obras solo para los entendidos y la actitud redentora por realizar proyectos de arte en espacios públicos, que usualmente mantienen la lógica de la rehabilitación donde tácitamente su plus consiste en instalarse entre sectores desfavorecidos o lugares que permanecen expuestos a la incuria.

Hoy, arte en situación
Limpieza de mugre (ver intervención en link portafolio)

Programa de mano que se entrego para socializar la experiencia. Descargar

Mirada Personal a Espacio Diverso, Quito Ecuador

Espacio diverso fue una convocatoria que congrego en la ciudad de Quito (Ecuador) entre los días 14 y 24 de mayo, artistas de diferentes nacionalidades con el objeto de articular propuestas de arte contemporáneo al cronograma cultural que celebra la ciudad con motivo el bicentenario de independencia. El reto principal del comité organizador ‘colectivo artístico La Bicicleta´ consistió en llevar las propuestas fuera de los tradicionales espacios de exhibición, trasladando las actividades a lugares donde las personas rara vez han tenido contacto con prácticas alternativas. Por lo tanto el criterio de selección de las propuestas recibidas estuvo determinado por proyectos que promovieran una estrecha relación con el otro y conservaran estrategias de participación sobre un lugar como espacio público.

Movilizándose por plazas de mercado popular, plazoletas centrales, paradas de bus, colegios y municipios cercanos a la ciudad Espacio Diverso desencadenó su itinerario entre jornadas de performance, pintura tipo mural, talleres de socialización, actividades de sensibilización y detourments respondiendo de está manera a la insuficiencia de espacios que ofrecen las instituciones locales para el ejercicio de nuevas prácticas.

El evento reunió gran número de propuestas heterogéneas con tal oferta que, la palabra diversidad terminó convirtiéndose en una muletilla para amparar múltiples discursos los cuales al final terminaron empañando la directriz que en principio se trazó sobre la excusa: arte desde la mitad del mundo. Resistencia ante la hegemonía cultural y arte en la periferia, identidad, estrategias de apropiación del lugar, operación entre el espacio público y formación de públicos, y el arte como la prestación de un servicio remunerado fueron tópicos que se diluyeron entre misiones maratónicas tipo supermatch ; al final en la pelea por los puntos ganó lo anecdótico, lo marginal y lo fugitivo.


La Bicicleta (PIMP)

Esta es una interpretación libre de performance presentado en las por el Colectivo Artistico La Bicicleta en la Facultad Latinoamericana de Ciencias Sociales (FLACSO). Descripción original: Tres niños emboladores encadenados al cuello se pasearon entre un recinto cerrado mientras los alaba un pseudointelectual. Los niños accedieron a cambio de comida.

Cara a Cara (improvisación)

Accion entre Edison Cáceres (Ecu) y Oscar Salamanca (Col).

SOBRE UNA SEÑAL S.O.S.

Una señal S.O.S es un llamado de auxilio a una situación que exige atención inmediata, como la luz roja que indica que se ha sobrepasado el margen de tolerancia, la cual señala ya un estado de emergencia.

Cualquier lugar fuera de este mundo, Nicolás Cadavid

Cualquier lugar fuera de este mundo es un trabajo que surge de un momento particular, como lo comenta Nicolás Cadavid autor de la intervención; argumentando que vivía una coyuntura decidió dar respuesta de manera creativa e inmediata a la situación motivado -según la descripción- por razones expresamente emotivas, tratando de alejarse por un instante de hilar una complicada reflexión conceptual, quizás inapropiada para la momento.
El gesto que Nicolás realiza entre sus fueros indica críticamente un estado de alerta, la señal de emergencia no solo tiene que ser atendida entre un radio de frecuencia (en este caso la ciudad de Santiago de Chile), la señal que emite alcanza un grado de resonancia que según el medio tiene mayor o menor incidencia, y en nuestro contexto por momentos parece difícil reconocer y atender. Todos los que estamos afuera somos responsables cuando se emiten este tipo de llamados, y personalmente considero este S.O.S como la señal que sugiere algo así como: –Hey, ¡póngase mosca! porque ahí esta pasando algo-.

Esta intervención no se puede reducir a una idea, pues el gesto no concluye simplemente con su formulación. El trabajo muestra una serie de interferencias, es decir, podemos leer otro conjunto de signos, por ejemplo la manera en que se construye la palabra es uno de ellos (utilización de hojas de cuaderno llenas de notas), el efecto que produce el reflejo de la imagen sobre las paredes cuando entra la luz o incluso el contexto donde surge el llamado; cuando vemos el interior del lugar no creemos que haya emergencia inmediata que exija ser atendida -las cosas parecen estar bien-.
Cuando de manifestar estados de riesgo o crisis se trata generalmente las respuestas a las situaciones son traducciones estéticamente más llevaderas, por lo que pienso que Cualquier lugar fuera de este mundo aparte de ser una señal S.O.S habla también de la recursividad como una capacidad de respuesta, de saber adaptarse a un espacio casual y hacer una herramienta lo que está a mano.

SOBRE EL ACOMODAMIENTO
Texto que acompaño el proyecto Untando

Cuando observo las terrazas de las casas de mis vecinos, cuando veo la terraza donde vivo, incluso cuando presto atención a cómo vivo, percibo entre los lugares una notable semejanza, que puedo comentar como la señal de un acomodamiento. Este acomodamiento no necesariamente debe estar asociado con el sinónimo confort, en cambio trata sobre la necesidad de adaptarse/acoplarse a lo que se tiene, al espacio que se puede ocupar y, digamos -¿por que no?- al talento que tenemos para acomodar (nos).

Untando es un proyecto que sistemáticamente obedece a esta voluntad de acomodamiento y a ciertos procesos que derivan de este tipo de situaciones; puedo nombrar como ejemplo la marca queda al retirar un objeto que ha estado largo tiempo en determinado lugar, o la humedad que después de un tiempo se convierte en oxido o en moho. El proyecto describe este carácter transitorio o efímero.

Las líneas verdes sobre la pared han sido pintadas con el agua, o “juagadura”, con que habitualmente se lavan los pinceles. 2- La retícula esta hecha a partir de pequeños cuadros “dibujados” mediante la aplicación de un polvo fino obtenido a partir de la recolección y tamizado de una cantidad de mugre de la calle. 3- Las láminas de cold rolled no están curadas, lo que implica que el brillo es temporal y que tenderá a desaparecer junto a la imagen a causa de la corrosión.

Yo y la Muffa
Animación
Duración 2’ 35’’
2008

Describo un extraño, vigoroso y
rápido relato de amor entre una linda
cosa, Muffa Rosada (moho) y un
joven de 25 años. El idilio y el
posterior desencuentro que
protagonizan los dos personajes está
arropado por la complicidad de la
canción Love is a losing game de
Amy Winehouse.

INTERSTICIOS, ARTE JOVEN 2008
Comentarios por Cristian Prieto- Frey A. Español

Próximamente voy a terminar mi pregrado de artes plásticas y antes de recibir un título universitario mantengo cierto desasosiego, en primer lugar por la manera en la que me pueda ocupar para poder desempeñar un roll moralmente digno como “maestro en artes plásticas” y en segunda instancia, tener la fortaleza para poder consolidar una estructura de trabajo coherente que eficazmente pueda responder a tres principios que personalmente creo han desaparecido o por lo menos descuidado en los planes de formación de una facultad de artes: compromiso, honestidad y respeto, que simplemente obedecen a una construcción de valores.

Recientemente visité la exposición intersticios, arte joven 2008 en las instalaciones del MamBo y los resultados como suele suceder con las iniciativas que promueven las expresiones y expectativas de esta población, finalmente terminaron en deuda, como también la participación de la institución. Las dificultades tienen origen en las dos partes y curiosamente pueden estar retratadas en la cuña radial que promueve el evento “intersticios… una muestra que no tiene fronteras definidas”. Ser joven representa un ánimo diverso, contingente e informe además para esta ocasión la categoría está canalizada por una contradicción, no tener fronteras definidas no es un concepto basado en la libertad sino en el desconocimiento; la falta de fronteras no permite identificar el capital con el que se cuenta, y tener la noción vaga de lo que puede ser, es como no tener nada. Es difícil de entender que nadie quiera abandonar la zona de confort para hacerse responsable del lugar que está ocupando, el museo cumple su cuota con una exposición que escasamente tiene incidencia en un periodo de vacaciones y los participantes tan sólo diluyen sus propósitos a un mundo reducido a realidades que únicamente parecen compartir y entender ellos mismos.

No creo propicio realizar comentarios sobre los trabajos de cada uno de los once participantes de la exposición, si observamos todo el conjunto como una serie de indicios, la muestra desencadena un vacío de valores que no permiten un acercamiento. Como espectador no encuentro canales de comunicación que articulen mis experiencias, por el contrario lo que la muestra provoca es un estado de incertidumbre y sospecha que mantiene una sensación de duda que impide estrechar vínculos afectivos como también de carácter crítico ya que los trabajos terminan envueltos en una tónica ligera y pasajera. El arte es un instrumento que tiene una naturaleza comunicativa y para que se acredite este diálogo nuestro interlocutor no requiere necesariamente de un vocabulario técnico o especializado para poder participar activamente entre una dinámica de observación, los signos representados en formas deben procurar una relación común –compartida- entre quienes las producen y quienes las reciben. Intersticios es un buen nombre para describir una situación intermedia, un vacío que permanece entre la falta de compromiso ético y el esfuerzo, que es lo primero de lo que se percata un espectador.

Respuesta al comentario. Por F.E

DETOURMENT (en español "tergiversación")
Usted escribe de moral y dignidad a propósito de su experiencia en "desempeñar un roll moralmente digno como maestro en artes" y de tres principios necesarios en su performance: compromiso, honestidad y respeto. Éstos se entienden también como una construcción de valores, lo que entendemos como algo "edificante".

Además interpreta como síntoma general del llamado "arte joven" una cierta carencia de valores y una tónica ligera y pasajera, por lo que su performance edificante se entiende como propicio y casi necesario, frente a la descomposición de los antaño valores inamovibles.

A partir de "Intersticios", la exposición del MAMBO, se denuncia por la falta de compromiso ético y la falta de esfuerzo, tanto de los organizadores como de los artistas, lo que nosotros llamaríamos "facilismo". Ante esto no puedo dejar de citar, de cabo a rabo a Zuleta, en su discurso para obtener el título de doctor honoris-causa en psicología de la universidad del Valle:

"La pobreza y la impotencia de la imaginación nunca se manifiesta de manera tan clara como cuando se trata de imaginar la felicidad. Entonces comenzamos a inventar paraísos, islas afortunadas, países de cucaña. Una vida sin riesgos, sin lucha, sin búsqueda de superación y sin muerte. Y por tanto también sin carencias y sin deseo: un océano de mermelada sagrada, una eternidad de aburrición.
Metas afortunadamente inalcanzables, paraísos afortunadamente inexistentes.

Todas estas fantasías serian inocentes e inocuas, sino fueran por que construyen el modelo de nuestros anhelos en la vida práctica.

Aquí mismo en los proyectos de la existencia cotidiana, más acá del reino de las mentiras eternas, introducimos también el ideal tonto de la seguridad garantizada; de las reconciliaciones totales; de las soluciones definitivas.

Puede decirse que nuestro problema no consiste solamente ni principalmente en que no seamos capaces de conquistar lo que nos proponemos, sino en aquello que nos proponemos: que nuestra desgracia no esta tanto en la frustración de nuestros deseos, como en la forma de desear. Deseamos mal.
(...)
Adán y Eva, tienen el merito original de habernos liberado del paraíso, nuestro pecado es que anhelamos regresar a él"

Yo no sé de moral, ¿moral de quién? Pero si sé que llevar la cabeza alta no tiene precio y eso es lo que entiendo por dignidad, es sobre eso del honor que se fundamenta el heroísmo de los chinos que prefieren el harakiri o de los palestinos e iraquíes. Eso es algo que pone en crisis nuestro sistema de vida dictaminado por la tradición occidental.

Creo que la forma de conducir nuestras vidas y profesiones se rige por dos principios, que no son excluyentes con los enunciados en la primera parte, uno que es energía, entendida como amor, amistad, pasión, adrenalina, la lívido, el dolor y otro, como la domesticación de esa energía, entendido como la persistencia, la constancia, el esfuerzo, lo que resulta del entrenamiento. Y para complementar con la trilogía creo que si hay un principio adicional que es nuevo, al cual tenemos que acostumbrarnos, a la auto-explotación (Fraser) de ser un hombre orquesta (Adarme), o como ya lo he repetido "mantener una posición hibrida" (Ortiz) que se fundamente en la inclusión, no en la exclusión.

Más arriba definimos un carácter edificante en la enumeración de valores, yo creo que eso edificante, si es relativo, pero por otro lado es una meta alta, la construcción: ¡Somos albañiles!, ¡somos educadores!, ¡somos historiadores!, ¡somos analistas visuales!, somos en todo caso ¡un ejemplo para la sociedad!, ¿pero que sociedad?, es el artista ¡un ejemplo para una sociedad nueva! Una sociedad que ha superado los prejuicios de "La sociedad ideal". ¡Me uno a esta causa edificante, con amor, con energía y también con un compromiso por el esfuerzo, y por el entrenamiento! Y me uno desde mi pasión por la bicicleta, por el futbol, por las mujeres bonitas, por la música tradicional y experimental y también desde mi pasión por el conocimiento y el arte. Me uno desde la galería, desde el museo y desde la calle... desde mi barrio, desde mi medianidad... (como se ha vuelto usual entre nosotros decir) .

Bueno para terminar "arte joven" es muchas cosas, y no creo que sea una denominación identitaria, es más bien una categoría de esas que nacen muertas, pero que se sostienen porque no hemos encontrado otra forma más efectiva de referirnos a "eso". Como la cita era de cabo a rabo... me falta el rabo:

"pero en medio del pesimismo de nuestra época se sigue desarrollando un pensamiento histórico, el psicoanálisis, la antropología, el marxismo, el arte y la literatura. En medio del pesimismo de nuestra época surge la lucha de los proletarios que ya saben que un trabajo insensato no se paga con nada, ni con automóviles, ni con televisores. Surge la rebelión magnifica de las mujeres, que no aceptan una situación de inferioridad a cambio de halagos y protecciones; surge la insurrección desesperada de los jóvenes que no pueden aceptar el destino que se les ha fabricado

Diseño para caja sin tapa frontal.

En que términos podemos hablar de un ladrillo, como un objeto, como una escultura o una artesanía? A un ladrillo no se le considera una artesanía pues su producción serial determina las formas de relacionarnos con él, lo que implica que la experiencia con el objeto es más practica que estética pero, si consideramos al ladrillo como el barro que es modelado por el contexto y cocinado a la temperatura de sus necesidades, un ladrillo se erige como una escultura orgánica que simbólicamente refleja los síntomas de la cultura (lo marginal). Responder de acuerdo a las necesidades es una insuficiencia que permite estar en continua transformación de las significaciones y el ladrillo es como una señal que indica las contingencias de nuestra cultura.

Un ladrillo de seis hoyos mide 20.5 x 28.5 x 10.5 centímetros y cada hoyo mide 3.5 x 5 x 28.5 centímetros. En una pared sin estucar los hoyos de un ladrillo sirven como gavetas para guardar objetos pequeños como un cepillo y una crema dental. (la imagen corresponde a un snapshot de la película Rodrigo D)

La gráfica corresponde al modelo de una caja sin tapa frontal de 3.4 x 4.9 x 20 centímetros y está diseñada para ser introducida entre los hoyos de un ladrillo. El modelo dela caja no tiene tapa, si fuera hermética posiblemente se alterarían los valores significantes de cada hoyo.

El tubo azul

Cómo se revelan las imágenes, ¿sobre la mirada de un sujeto astuto que hace posible que aparezcan en nuevos términos? ¿por circunstancias casuales? Está imagen corresponde a la casualidad que me dice –un momento, tengo que detenerme-, entonces entre la casualidad empiezo a tomar fotografías sin flash en una resolución de 3.0 megapixeles, y ahora es todo, menos una casualidad, es la materialización de alguna asociación, algo que tiene origen sobre algún referente.

Podría describir cómo esta casualidad tiene mucho parecido con lo que puede ser un objeto escultórico e inclusive agregarle un género – esto es minimalista!- y para lograr que continúe siendo bello citar a Donald Judd, pensando que tenia toda la razón “estos objetos tienen la capacidad de no decir nada”. Lo que se me apareció como una casualidad, en los años sesenta se denomino como una estructura primaria (insignificante) pues sus formas se escapan de ser significadas, y los significantes ya no dan cuenta del hombre, por el contrario referían a lo inanimado (industrial), hecho que también había quebrado los límites sobre la procedencia del objeto artístico. Todo esto me lo encontré ahí, al lado de esa residencia de la diez y seis; un objeto que había superado las barreras entre lo real y lo subjetivo, enseguida empiezo a dudar y me pregunto ¿en que momentos y en donde aparece eso que llamamos arte?

Cualquier sujeto astuto puede hacer posible que esta casualidad aparezca en nuevos términos, pero ya no estamos en los sesentas y las imágenes tampoco se nos revelan como un milagro (suceso determinado por una galería), tampoco quiero decir que estos tubos azules representen más de lo que son, tan solo se trata de una excusa que confronta mi experiencia con tal casualidad.

Entrevista a Gimena Zambrano y Frey Español del colectivo AutoArt.

Gimena Zambrano y Frey Español son dos de los tres integrantes del colectivo AA+, grupo que ha desarrollado proyectos de intervención plástica en la ciudad de Bogotá. En la siguiente entrevista ellos nos comentaran como se han desarrollado sus procesos.

¿Por que trabajar en el espacio publico?

Gimena Zambrano: El espacio público es una forma de poner a prueba nuestro trabajo, donde las relaciones de contexto generan un nuevo discurso, a la vez que se propone un diferente marco de interacción-.

Frey Español: La idea de que el arte es sólo lo que se encuentra en la galería, se ve desafiada o sentenciada a desaparecer en un contexto donde la gente tiende a salir, tiende a extender toda su capacidad imaginativa mientras transita, mientras está en contacto con los demás. En nuestro caso el arte no es únicamente lo que está dentro de los espacios expositivos, también puede contener lo que se encuentra afuera, en los espacios por los que circulamos; o al menos nuestra buscada definición de arte no se aleja de las inquietudes que cada individuo puede tener en la calle, en su vida cotidiana; lo que se intenta es filtrar el afuera en el adentro y a la inversa.

El espacio público es como un collage saturado de información, ¿las galerías y salas de exposición no son el espacio más propicio para filtrar las expresiones artísticas?

G.Zambrano: Las imágenes ahondan al interior de la vida social misma. La producción de la obra ya no está determinada solamente al interior de un grupo, además, los métodos de distribución aparecen como un nuevo recurso, ya que hay un público más diverso.

F.Español: Queremos darnos la posibilidad de decir algo con lo que hacemos, quizá como información puede no ser tan claro que como simple gesto; se trata de llevar nuestras preocupaciones a un contexto público, incorporar nuestras preguntas como individuos a un contexto no predispuesto, a un contexto desinteresado que las interpreta según sus propios códigos.

El arte siempre se ha considerado como algo que pertenece a la elite, tomar la decisión de trabajar fuera de los contextos tradicionales ¿no es una determinación política?

F.E: El colectivo manifiesta mediante su trabajo una posición “política” frente a la producción y distribución de imágenes; imágenes como imágenes, no como imágenes que enmascaran mensajes. Una imagen no se hace “necesaria” por la información que contenga o que transmita (según Bruce Nauman), así que la preocupación no tiene nada que ver con la manipulación de la información sino sobre la manipulación de la imagen, pero no solamente de nuestra imagen, sino sobre los cambios que produce la imagen dentro de un lugar.

G.Z: Además, al poder interferir en realidades ajenas con o sin otra intención que la de traer imágenes irrelevantes hacia una nueva experiencia, significa darle lugar a esas imágenes en nuestro pensamiento y es ahí donde la realidad física puede comenzar a renovarse.

La creación de un colectivo no anticipa que sus conceptos tendrán implicaciones sociales?

G.Z: Sabemos que nuestro trabajo genera medios más amplios para la discusión en torno a las artes y, al menos, una pequeña dosis de impacto social y político. Claro, se atraviesan palabras diversas que no asumiremos desde especialidades semánticas o gramáticas: autogestión, administración, empeños. Es evidente, la tarea no resulta sencilla, el panorama poco alentador, pero estos empeños posibilitan la generación de nuevas herramientas de trabajo; estas agremiaciones necesitan movilidad, diálogo directo con el público, visibilidad en la esfera pública del arte.

Por ultimo, ¿Que concepto puede definir su trabajo hoy?

F.E: El concepto de marco, como una ventana, quizás porque es ese espacio que comunica el adentro y el afuera, y –ventanear- es ese gesto expectante; es ese buscar, buscar qué hacer, que en nuestro caso, es buscar una definición de lo que hacemos ¿arte?.